5 Subkulturen, die die moderne Mode beeinflussten

Der Einfluss von Subkulturen auf die Mode Man kann es nicht überschätzen - man sollte nicht mehr über die Rolle sprechen, die Mode, Glam Rock, Punk und Vivienne Westwood 70s, Hip-Hop und Büffel der 80er oder 90er Jahre in ihr gespielt haben. Von Mitte der 1960er Jahre bis heute haben sich viele Designer vom Stil der einzelnen Gemeinschaften inspiriert, die durch kulturellen Kodex, Ideologie und Aussehen vereint wurden (die Modebranche hat immer versucht, die Menschen auf ähnliche Weise zu verbinden). Nun ging es zum Kurs und recht unauffälligen Beispielen. Wir sprechen über nicht die berühmtesten, aber einflussreichsten Subkulturen - vom mexikanischen Cholo bis zu Anhängern der Psychedelika der 70er Jahre - und wie sie die heutigen Modetrends beeinflussten.

Cholo

Die Wurzeln der Cholo-Subkultur liegen in der jungen Generation von Einwanderern aus Mexiko, die sich vor einer oder zwei Generationen in den Vereinigten Staaten niederließen. Der Begriff wurde ursprünglich verwendet, um sich auf die lokale Bevölkerung Süd- und Mittelamerikas zu beziehen, aber in den 1960er Jahren wurde die Arbeiterklasse der in den USA lebenden Mexikaner und Vertreter ihrer Bürgerrechtsbewegung, Chicano Movement, als Cholo bekannt. Zur gleichen Zeit wurde in den 1960er Jahren die Bezeichnung „Cholo“ von kriminellen Jugendlichen aufgegriffen und zur Selbstidentifizierung verwendet - so entstand eine unabhängige Subkultur.

Zuerst gehörten nur Männer zu cholo, sie trugen Baggy-Hosen, alkoholische T-Shirts und Sportschuhe (immer noch unter den beliebten Cholo-Marken Dickies, Ben Davis und Lowrider), doch nach und nach nahmen die Mädchen den Stil auf. Tatsächlich unterscheidet sich die weibliche Version von Cholo nur im Make-up: gewölbte tätowierte Augenbrauen, Lippen, die von einem dunklen Bleistift umgeben sind, Pfeile, Katzenaugen sowie eine charakteristische Frisur mit einem hohen Haufen über der Stirn und eine Maniküre, die Lena Lenina selbst beneiden würde.

Cholo als Subkultur hat viel vom Underground Hip-Hop mitgenommen, so dass sich die Chola-Girls für eine süße Seele mit Goldschmuckets mit unterschiedlichem Schweregrad aufhängen (aber die Jungs übrigens nicht wirklich). Aus der urbanen Kultur der einkommensschwachen Gebiete von Los Angeles und San Diego wurde die Cholo-Subkultur zum Mainstream, zuerst in der Popkultur (Fergie und Gwen Stefani gehörten zu den ersten), dann in Mode. Daraufhin entwirft der Stylist Mel Ottenberg ein Chola-Girl aus Rihanna, das Magazin Dazed & Confused, und die Designer widmen sich der Kollektion, um zumindest Rodarte und Nasir Mazhar im Frühjahr / Sommer 2014 zu erinnern.

LGBT-Hip-Hop

LGBT-Hip-Hop, oder auch Homo-Hop genannt, tauchte zu Beginn der 1990er Jahre in Kalifornien auf. Ursprünglich war Homo-Hop nicht als separate Musikrichtung positioniert, sondern diente der LGBT-Community in der Hip-Hop-Szene. Der Begriff selbst wurde von Tim'm T. West, einem Mitglied des Deep Dickollective-Teams, eingeführt. Nachdem sich Homo-Hop in den 1990er Jahren laut erklärt hatte, war es zu Beginn des neuen Jahrtausends ruhig (mit Ausnahme der Dokumentation "Pick Up the Mic", an der die wichtigsten Homo-Hop-Künstler unserer Zeit beteiligt waren), die mit der Ankunft der 2010er Jahre wiedergeboren werden sollte.

Die neue Generation von Hip-Hop-Künstlern verdeckte nicht nur ihre unkonventionelle sexuelle Orientierung (Frank Ocean wurde zu einer der ersten Afroamerikanerinnen, die ein Coming-Out aufstellte, und Azilia Banks versteckt ihre bisexuellen Neigungen nicht), sondern unterstützte LGBT aktiv, oft in Texten -bewegung Es ist bemerkenswert, dass Homo-Hopper anfangs im Allgemeinen keine besonderen Erkennungsmerkmale in Bezug auf Kleidung hatten, und geradlinige Künstler flirteten mit der Drag-Kultur: von Grandmaster Flash und den Furious Five bis zur World Class Wreckin 'Cru. Trotzdem sind sich einige Konservative sicher, dass Kanye West und Trinidad James, die in Röcken auftreten, das Ergebnis der Ausbreitung der Schwulenbewegungen in der Hip-Hop-Serie sind. Schlimmer als Rihanna, die sich in den Mikrosportarten und Fahrrädern von Le1f drehen - ein lebendes Beispiel für die Diskriminierung von Männlichkeit im Allgemeinen und im Hip-Hop-Bereich insbesondere.

Die Herrenmode der letzten Jahre hat im Allgemeinen versucht, die geschlechtsspezifischen Grenzen schrittweise aufzuheben - angefangen mit dem Hauptdirigenten der Straßenkultur in der Luxusbranche, Ricardo Tisci, der die Modelljungen in Röcken zu den neuesten Herrenausstellungen zum Laufsteg führte. Zum Beispiel Loewe unter der Leitung des neuen Kreativdirektors Jonathan Anderson oder der absolut schönen Christophe Lemaire, nachdem sie die Mädchen beeindruckt haben, die beeindruckende Wunschlisten bilden.

Casuals

Casuals bildeten sich Ende der 1980er Jahre im britischen subkulturellen Umfeld, als Fußball-Hooligans ihre Fanuniform zugunsten von Designerkleidung und teurer Sportbekleidung aufgaben, um die Polizei so wenig wie möglich zu interessieren. Der Stil, der von Casuals ausgenutzt wurde, erschien viel früher - zu Zeiten der Teddy-Kämpfe der 1950er Jahre und der Mods der frühen 1960er Jahre. Die Casuals sammelten und verdauten das subkulturelle Erbe ihrer Vorgänger und brachten ihre eigene visuelle Formel heraus: Fiorucci-Jeans, Adidas-Sneakers, Gola oder Puma, Polo-Shirt von Lacoste und Gabicci-Cardigan.

Es wird vermutet, dass die Londoner Hooligans von Fans des Liverpool Football Club in die europäische Straßenmode eingeführt wurden, die ihre Lieblingsmannschaft auf allen europäischen Ebenen begleiteten und eine Menge teurer Sportmarken von den Reisen mitbrachten (damals adidas oder Sergio Tacchini). In den späten 1990er Jahren entfernen sich Fußballfans allmählich vom ursprünglichen Casual-Image, und teure Designermarken entfernen wiederum Dinge, die mit Casuals verbunden sind (insbesondere Burberry stand der Markenzelle gegenüber).

Der nächste Satz begann sich seit Mitte der 2000er Jahre zu erheben, und heutzutage sind Gelegenheitsspieler nicht einmal ein begeisterter Fußballfan, aber der Bogen ist derselbe wie im Morgengrauen: Skinny Jeans, ein Palace-T-Shirt, das klassische Reebok-Modell. Dieses Bild (lass es als "lakonisch und ordentlich" bezeichnen) ist heute auf Topman-Schaufensterpuppen sowie auf den Laufstegen von Burberry Prorsum und Paul Smith zu sehen, und in einem subkulturellen Kontext wird "casual" als Ersatz für die Ausbeutung des ultra-muskulösen vererbbaren und zufälligen Hipsterismus bezeichnet.

Gesunder Lebensstil

Wir haben bereits mehrmals darüber geschrieben, wie groß der Einfluss des Sports auf die moderne Mode ist: Dinge, die ursprünglich für den Unterricht in einem Fitnessclub gedacht waren, passen jetzt perfekt in die urbane Umgebung, und Absätze weichen bequemen Schuhen wie Sneakers, Sneakers und Slip-Ons. Die Geschichte der gegenseitigen Durchdringung von Mode und Sport kann ab der Mitte des 19. Jahrhunderts beobachtet werden: Im Jahr 1849 veröffentlichte das Water-Sure Journal einen Artikel, in dem die Frauen aufgefordert wurden, schwere Krinolinen, die zu dieser Zeit in Mode waren, zugunsten von Kleidung aufzugeben, die mehr Bewegungsfreiheit bieten würde. Zwei Jahre später erschien die bekannte Feministin Amelia Blumer in einem knielangen Rock und weiten Hosen wie türkische Hosen, die später als Pumphose benannt wurden.

Einen wirklichen Aufschwung erlebten die Bloomers jedoch erst in den 1890er Jahren, als Frauen anfingen, das Radfahren zu beherrschen, das damals beliebt war. Die Echos der Sportthemen tauchten außerdem in den Kollektionen von Gabriel Chanel (dem gleichen Jersey-Material und den von der Tennisform inspirierten Modellen) und Elsa Schiaparelli (ihre Kollektion Pour le Sport) und später - Emilio Pucci (Kleidung für den Skisport), Yves Saint Laurent - auf (Anzug für die Jagd, insbesondere die Jacke von Norfolk), Azzedine Alaya und Roy Halston (oben wie ein Bikini-Badeanzug), Karl Lagerfeld (zum Surfen der Frühjahr / Sommer-Kollektion von 1991 für Chanel), Donna Karan (Kleider Anfang 1990). x Neopren) und viele andere.

In dieser Chronologie lohnt es sich, die 1970er Jahre hervorzuheben - die Zeit, in der der Sport zu einem wichtigen und modischen Teil des Lebensstils wurde. Bis zum Ende des Jahrzehnts waren alle buchstäblich von Aerobic und Joggen besessen, nicht nur aus Gründen, die für die Gesundheit von Belang waren, sondern auch, weil es als sexy galt, und Mode wiederum wurde zur Plattform, auf der Sport und Sex zu einem Ganzen verschmolzen. So wurden im Bereich des modischen Designs Fleece, Lycra, Mahr, Polyurethan und Fallschirmgewebe aktiv eingesetzt, und Mädchen trugen Kunststoffvisiere als modisches Accessoire.

Seit dem Beginn des neuen Jahrhunderts durchlief der Sport die Modekollektionen fast zu jeder Saison, aber 2012 kam eine weitere große Welle der Beliebtheit hinzu, die viele Menschen insbesondere mit den Olympischen Spielen in London in Verbindung bringen. Die Zusammenarbeit von Sportmarken mit Modedesignern begann mit einer beneidenswerten Popularität zu erscheinen: adidas mit Stella McCartney, Jeremy Scott und Mary Katranza, Nike mit Ricardo Tishi und die Podestplätze waren offensichtlich vom Sportstil beeinflusst - es reicht aus, sich an die Kollektionen derselben Stella von FW 2012 zu erinnern. 2013 und SS 2013, Alexandra Wang für seine eigene Marke in der SS12-Saison und in diesem Frühjahr für Balenciaga, Givenchy als Hauptpromotor von Sweatshirts aller Streifen, Prada und Emilio Pucci der Saison SS14. Im Allgemeinen ist die Liste endlos. Offensichtlich eins - alles zusammen hat dazu geführt, dass Sportbekleidung heute untrennbar mit dem Alltag verbunden ist.

Psychedelia

Psychopharmaka waren Mitte der 1960er Jahre ein Teil des subkulturellen Lebens in den Vereinigten Staaten und Großbritannien: Im Allgemeinen drückte sich die psychedelische Ideologie aus, indem sie sich der westlichen Welt des Konsums widersetzte und natürlich versuchte, der Realität zu entfliehen. Nach dem „Sommer der Liebe“, der 1967 stattfand, nahm die Gegenkultur schließlich eine Hippie-Bewegung an, die nicht nur die Prinzipien von Frieden und Liebe, sondern auch die weit verbreitete Verwendung von psychotropen Substanzen wie LSD zu einem Kult erhoben hat.

Insbesondere wenn man sich in einem Zustand des veränderten Bewusstseins befand, implizierte dies eine hypertrophische Wahrnehmung von Farben, Texturen und Bildern und beeinflusste maßgeblich die Entstehung einer typischen Hippie-Bild- und Grafikentwicklung: Säuretöne, glatte, als ob fließende Silhouetten verwendet würden, texturierte Textilien. Die Beliebtheit des traditionellen indischen Paisley-Musters wurde übrigens auf dieselbe Weise erklärt - zur Zeit der Betäubungsmittel wurden die bunten "Gurken" zu lustigen Bildern zusammengefügt. Kurzum, alle Tricks in der Kleidung machten psychedelische Erlebnisse noch spektakulärer.

Die wichtigsten Leitfäden für psychedelische Mode waren Paraphernalia-Boutiquen in New York und Granny Takes a Trip in London, wo sie Designartikel von Thea Porter, Zandra Rhodes, Jean Muir und Ozzie Clark verkauften. Das Erbe der Psychedelika kann mit den sauren Farben T-Shirts, Höllen-Tai-Dai und Plastikschmuck als die Raver-Bewegung der späten 1980er-Jahre angesehen werden - all diese Tricks nahmen auf einmal die Arme und Franco Moschino und Gianni Versace ein.

Die Psychedelisch-Ästhetik hat auch die Mode der Neuzeit nicht verschont - meist in Form von Neonfarben, die seit 2007 mit einer beneidenswerten Konstanz in Kollektionen auftauchen. Aber nicht nur sie: Wenn man darüber nachdenkt, sind die heute beliebten (heute jedoch nicht sehr viel) kaleidoskopischen Digitaldrucke nichts anderes als Echos der psychedelisch-freundlichen Muster der 70er-Jahre sowie die Rückkehr der Dinge aus den 70er-Jahren und des Tai-Dai im Allgemeinen. Insbesondere der weit verbreitete Einsatz optischer Drucke in den Herbstkollektionen dieses Jahres.

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