Die Rückkehr des Luxus: Warum der Minimalismus dazu verurteilt wurde, lange zu leben
Wenn in der modernen Modebranche und es gibt eine Person, die in der Lage ist, die Wünsche der Öffentlichkeit mit nahezu bedingungsloser Genauigkeit zu lesen und durch Kleider zu senden, dann ist dies Alessandro Michele. Er war es, der vor drei Jahren alle glauben ließ, Geschlechtergrenzen in der Mode seien nicht mehr als ein archaisches Stereotyp, und gleichzeitig in die Stratosphäre des Modeuniversums einen Trend für den Stil eines gut gelesenen intellektuellen Intellektuellen des Mai 1968 einführen.
Allmählich wurde die Vinaigrette, die Michele in seinen Kollektionen für Gucci zeigte, immer mehr mit zusätzlichen Zutaten gefüllt: Hier handelt es sich sowohl um optische Illusionen im Sinne von Schiaparellis Werken der 1930er Jahre als auch um Hinweise auf die späten 1970er Jahre und Yves Saint Laurent sowie die laute Kakophonie aus Asien , Punk, 1980er Jahre und Null. Der Scheitelpunkt all dieser Luxusgüter waren die Gucci-Kollektionen der Kreuzfahrtsaison 2017/18 und die Herbst-Winter-Kreuzfahrten 2017/2018: In der ersten Phase ist die übermäßige Ästhetik der Mitte der 2000er-Jahre ziemlich unkompliziert, und in der zweiten sind sie vollständig zu einer Reihe von Jacquards und Pailletten, Pelzen und Stoffen gemischt Strasssteine
Kreativität Michele ist ein lebendiges, aber keineswegs das einzige Beispiel dafür, dass Modemarken heutzutage vom Minimalismus, der die erste Hälfte des zweiten Jahrzehnts des 21. Jahrhunderts prägte, immer selbstbewusster werden. In den letzten fünf Jahren haben wir nur das getan, was wir über das Umdenken der Trends der Mitte der 1990er Jahre gesagt haben: über die neue Lesart des Erbes von Helmut Lang und Gilles Zander, über die frühen Sammlungen von Miuccia Prada, die nach fast einem Vierteljahrhundert keine Relevanz verloren haben, über die neue Weiblichkeit, die es nicht gibt erfordert exzessive Dekoration (immerhin hat die aktuelle feministische Agenda erneut entschieden, dass eine Frau das Recht hat, die traditionellen Schönheitskanone zum Trost zu vernachlässigen).
Die Idee erreichte ihren Höhepunkt mit dem Aufkommen des sogenannten Normcore - "Mode ohne Mode" - und wurde schließlich zu einer Schlange, die den Schwanz selbst biss. Mit einem Wort, wir haben die ganze Zeit über Mode arrangiert und gleichzeitig selbst Entgiftungstherapie: Wir haben fleißig gesäubert, alles, was überflüssig war, unsere Kleiderschränke beseitigt, mit Vorstellungen von bewußtem Konsum durchdrungen und lernen, mit einem Minimum an Kleidungsstücken zu leben, nach dem Prinzip „besser weniger“. aber besser. " Die Designer wiederum ermutigten uns, statt zehn Kleidern mit aufwendigem Dekor ein perfektes zu kaufen und in ihren Kollektionen einen "neuen" Minimalismus zu entwickeln - denken Sie nur an Phoebe Faylo für Céline und Raf Simons für Jil Sander.
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Designer drängten uns, anstelle von zehn Kleidern mit komplizierter Ausstattung einen zu kaufen, aber perfekt
Modejournalisten proklamierten die Geburt einer alternativen Heldin unserer Zeit, die genug Sorgen hat und keine Schuhe in die Tasche nimmt, was bedeutet, dass die Funktionalität und Prägnanz des Designs in der Kleidung für sie erste Werte sind. Mit einem Wort, es schien, als würden der Minimalismus und die Ablehnung des auffallenden Luxus, der für das vorangegangene Jahrzehnt charakteristisch gewesen war, lange Zeit bei uns bleiben und im Allgemeinen zu den wichtigsten Modepostulaten werden, aber das war nicht der Fall. Die Kollektionen der letzten Staffeln erinnern uns zunehmend an die Mode wahrhaft überschäumender Jahrzehnte - der 1970er, 1980er, 2000er - und lenken die voluminösen Schulterpuffs hervor, die von den Dynastie-Heldinnen, Logomanien und Outfits getragen werden Geist von "tragen Sie alles Gute auf einmal." Es scheint, dass der Minimalismus des Samples der 2010er Jahre dazu führte, lange zu leben - aber warum?
Um zu verstehen, warum Übermäßigkeit und vorsätzlicher Luxus jetzt wieder in die Mode zurückkehren, ist es hilfreich, in die Vergangenheit zu blicken. Wenn wir uns in der Mode Perioden von Minimalismus und bedingtem "Maximalismus" in Form eines Diagramms vorstellen, wird es wie eine einheitliche Sinuswelle mit Intervallen von etwa zehn Jahren aussehen. Dies bedeutet natürlich nicht, dass jede modische Epoche mit einem bestimmten einheitlichen Stil identifiziert wurde: Zum Beispiel verbinden wir in den 1920er Jahren mit gleichem Erfolg sowohl den Shanel-Bogen à la Garçonne als auch die mit Perlen besetzten Flapper-Mädchen 1930er Jahre - mit den genial einfachen Kleidern von Madeleine Vionnet und Madame Gre und dem exzentrischen Übermaß an Surrealismus von Elsa Schiaparelli. Der Grund, warum jede neue Generation von Designern (und manchmal fast gleichzeitig) versuchte, die stilistischen und visuellen Kanonen der vorherigen zu unterlaufen, war das Wesen der Mode als Phänomen, ihr Zweck - das Interesse der Öffentlichkeit zu wecken und ihr etwas Neues zu bieten.
Oft ist es das Interesse an Neuem, das uns zum Modekonsum anregt, wodurch dieser Bereich mit der Unterhaltungsindustrie zusammenhängt. Da Kleidung nicht mehr nur Kleidung war und eine ganze Reihe von Konnotationen in Bezug auf die soziale und finanzielle Lage des Eigentümers, seine Lebensgewohnheiten und sogar seine politische Position darstellte, wurde die Möglichkeit ständiger Änderungen und Aktualisierungen zum wichtigsten Motor der Mode.
Zu Beginn der ersten Welle des Feminismus weigerten sich die Mädchen massiv, Korsetts, dicke Röcke und Hüte niederzureißen, was zu ihrer Entscheidung führte, weil es viel bequemer ist, einen aktiven Lebensstil in verkürzten Kleidern ohne zu viel Dekoration zu führen, und im Allgemeinen wollen sie nicht nur ein wunderschön gekleideter Anhängsel sein Männer Die Rückkehr zum Bild kanonischer Weiblichkeit im nächsten Jahrzehnt wurde durch die wachsende Popularität Hollywoods bestimmt, die in den 1930er Jahren begann, mit der Filmindustrie viel Geld zu verdienen (und gleichzeitig prominente Designer zur Arbeit anzog).
Modejournalisten proklamierten die Geburt einer alternativen Heldin unserer Zeit, die genug Sorgen hat und keine Schuhe in die Tasche nimmt
Weiteres Der Übergang vom bewussten Luxus der 1950er Jahre bis zur Kürze der 1960er Jahre war bekanntlich der Wille einer neuen Generation von Modekonsumenten, die die Ideale der Vorgängergeneration aufgeben und ihren eigenen visuellen Code aufbauen sollte, in dem der einfache Plan der einfachen Silhouetten und der Einsatz von Unkonventionellem zugrunde liegt Materialien, um Kleidung zu schaffen. Yves Saint-Laurent verkündete seine Rückkehr zur Mode-Theatralität, als seine aufsehenerregende Kollektion Libération / Quarante von 1971 (die sich übrigens sehr von allem unterschied, was der Designer zuvor getan hatte), der von den 1940er-Jahren inspiriert wurde und bei dem ehrenhaften Publikum Empörung auslöste. Saint Laurent hat - bewusst oder unbewusst - die Mode für den neuen Vektor gesetzt, dem sie in den 70er Jahren folgte: Mit bewusstem Kitsch, dem echten oder erfundenen Luxus ausgesetzt, um bürgerliche Mode und ruhige Statussymbole des alten Designs zu stürzen.
In einer solchen Art und Weise des Ausdrucks sah die neue Generation die Chance, vor dem Gefühl der zunehmenden Besorgnis zu fliehen - vor dem anhaltenden Vietnamkrieg, der Ölkrise von 1973 und den Spannungen in der Welt in den späten 70er und frühen 80er Jahren. Je höher die Arbeitslosenquote stieg, desto aktiver suchten die Menschen nach Konsum und die modischeren Marken motivierten sie, Einkäufe zu tätigen.
Die Mode entwickelte sich zu einem vollwertigen Teil der Unterhaltungsindustrie, der nicht nur Kleidung, sondern auch die Idee einer neuen Identität verkaufte und zu einer bequemen Form von Eskapismus wurde, die Angstzustände unterdrücken und den Anschein von Wohlbefinden erzeugen könnte. Der reiche Nouveau Riche entwickelte sich zu neuen Nachahmungsmodellen, Reality-Shows wie "Lifestyles of the Rich and Famous" - Supervolle Vorläufer der "Kardashian Family", und das Konzept "This is too" verschwand aus dem Alltag der Kleidung. Die Besessenheit mit dem Status für viele ist zu einem der bestimmenden Werte im Leben geworden. Die Erreichung dieses Status ist zweitrangig. Ende der 80er Jahre traf die Gesellschaft wie durch den eigenen Konsumwettlauf erschöpft zusammen - wie sich herausstellte, ist das Einkaufen rund um die Uhr keine Garantie für Glück.
Der Wendepunkt war der "Schwarze Montag" vom 19. Oktober 1987 - ein scharfer und maximaler Zusammenbruch des Devisenmarktes, der als Prolog der Wirtschaftskrise der 1990er Jahre bezeichnet wird. Die Mode reagierte auf eine wackelige Finanzsituation der Welt mit einer 180-Grad-Wende: Man stellte ihren Reichtum in der vorherrschenden Situation vor, wurde als Bewegung betrachtet, der Verbrauch modischer Waren sank, und die Designer reagierten auf die Veränderungen, indem sie den Kunden strengen Minimalismus bieten. Phil Thornton, ein Journalist bei The Face, schrieb in den frühen 1990er Jahren: "Der Überfluss der 80er Jahre war vorbei und es wurde klar, dass der ehrgeizige Wunsch, sich so zu kleiden, dass der soziale Status verbessert wird, ein leeres und zweifelhaftes Spiel sein könnte."
Die Wende zu einem neuen Kurs begann jedoch in der zweiten Hälfte der neunziger Jahre, als französische Modehäuser begannen, junge und ehrgeizige Designer als kreative Direktoren einzuladen, die kein Interesse daran hatten, nach den Regeln des Minimalismus zu spielen. Nach dem Kauf historischer Marken entschieden sich Geschäftsleute, die von Bernard Arnaud und Francois Henri-Pino geführt wurden, dafür, Mode zu einem vollwertigen Werkzeug für das Geldverdienen zu machen. Dazu mussten Modeschauen zu Unterhaltungsshows und Dinge, die auf den Laufstegen gezeigt wurden, zu Objekten des Traumes werden der Wunsch zu besitzen, der die Öffentlichkeit zum Kauf von Parfüms, Accessoires und anderen kleinen Dingen ermutigen würde. Das Ende der wirtschaftlichen Rezession im Jahr 2001 und der Übergang zu einer der "dicksten" Jahrzehnte, die bequem auf einer riesigen Ölquelle saß, wurden zu einem hervorragenden Ort, um die Mode wieder zu demonstrativem Überfluss zu machen: Kaufen Sie, um glücklich zu sein.
So hören wir heute immer wieder, nicht nur bis 1980 zurückzukehren, nicht Null, sondern die Liste der Top-Trends der nächsten Saison umfasst Samt, Jacquard sowie voluminöse Schultern, Pailletten und farbiges Fell. Zum Teil lässt sich alles darauf reduzieren, dass die Leute einfach den snobistischen Minimalismus der 2010er-Jahre müde sind, der sie seit den 1990er Jahren mit ihren Maximen wie "Wenn Sie solche intellektuelle Mode zu schätzen wissen, verbindet, sind Sie schlau genug und fortgeschritten." Aber es ist natürlich nicht nur das.
Wenn wir die Mode als eine Form des Eskapismus betrachten, die sie sich im Laufe der Geschichte irgendwie manifestiert hat, können wir davon ausgehen, dass wir uns heute wieder hinter der harten Realität hinter hellen, in jeder Hinsicht hellen Kleidungsstücken verstecken. Wenn auf der Welt ein schreckliches Ereignis nach dem anderen auftritt und kaum jemand ein hundertprozentiges Vertrauen in die Zukunft fühlt, wenn die Sorge um Mode und Materialwerte an die Peripherie der Öffentlichkeit gerät, müssen Marken nach neuen Wegen suchen, um das Publikum anzuziehen.
Designer gestalten ein flüchtiges Bild von Freude und Wohlbefinden und motivieren die Menschen, nicht nur Dinge zu kaufen, sondern auch eine Portion Endorphine. Die Konsumenten wiederum sind bereit, ins Spiel einzusteigen - einfach weil es manchmal einfacher und nützlicher ist, sich unter der Kuppel des äußeren Optimismus zu verstecken, als frustrierend darüber, was wir nicht ändern können. Der Luxus und das Engagement der Etiketten für die moderne Generation ist weniger ein Verlangen nach auffälligem Konsum als ein ironisches Spiel mit den Statuskonzepten, ein Versuch, über den Krisenzustand der Wirtschaft zu lachen, oder einfach nur den Wunsch, eine Maske aufzusetzen.
Fotos: Gucci, Céline, Jil Sander, Wikimedia Commons (1, 2, 3), Bereich, naturweiß
