Kunst des 20. Jahrhunderts in den Frühjahrs- und Sommerkollektionen

IN EINEM KONSTANTEN WUNDERZINENKOPF spricht über Trends vom Podium, die für die nächsten sechs Monate an Ihre Garderobe angepasst werden können. In dieser Ausgabe beschäftigen wir uns mit dem hellsten Trend der Saison - der Kunst, die in den Frühjahrs- und Sommerkollektionen der Designer von Prada bis Prabal Gurung erschien.

Wie alles begann

Die Ideen der Kunstwelt haben schon immer das Design von Kleidung und Stoffen beeinflusst. In den 1920er Jahren beeinflussten Avantgarde und Fauvists, angeführt von Henri Matisse, die Mode, die sich in der Kleidung von Paul Poiret abzeichnet. Madeleine Vionne liebte den Kubismus und verwendete geometrische Formen und Linien in der Kleidung, und der futuristische Künstler Ernesto Tayat entwarf das Logo für ihr Haus Vionnet. In den 30er Jahren kam die Leidenschaft für den Surrealismus. Elsa Schiaparelli stellte Knöpfe in Form von Süßigkeiten und Erdnüssen her und war mit Salvador Dali und Jean Cocteau befreundet. Er zeigte das Seidenkleid mit Hummern, die Jacke, die eine Frau darstellt, deren langes Haar den Ärmel und die Arme um die Taille geschlungen hatte. Diese und andere Ideen werden mehr als einmal in modernen Designern auftauchen, darunter auch in russischen (denken Sie an die Kollektion von Alexander Terekhov Herbst-Winter - 2013).

Die 50er und 60er Jahre wurden zu einer Zeit, in der Mode, Musik und Kunst ineinandergingen und das Aufkommen des Farbfernsehens den Durchbruch der visuellen Kultur vervollständigte. Gleichzeitig ist eine Kultur des Konsums, der Replikation und des Massenmarktes entstanden - alles, was bisher nicht an Position verloren hat. Junge Leute strömten in kreative Hochschulen und Universitäten, und in London und New York wurde es Mode, Designer, Fotograf, Model, Grafik- oder Modedesigner zu sein (und nie aufgehört zu haben). Designer, die zu Rockstars umgeschult wurden (zum Beispiel Pete Townsend von The Who oder Keith Richards von The Rolling Stones), und Künstler schufen Plakate für Konzerte und Albumcover, da Kunst auf jeder Laterne erschien.

Die Namen der Pop-Art-Künstler wissen alles: Richard Hamilton, Roy Lichtenstein, Andy Warhol - sie waren die ersten, die die Konsumgesellschaft und die Populärkultur widerspiegelten und zeigten, was die Menschen hier und jetzt interessiert (Werbung, Fernsehen, Waren aus Geschäften). Der Vater der Pop Art gilt als der Brite Richard Hamilton, der die allererste und berühmteste Collage kreierte. "Was macht unser Zuhause heute so anders, so attraktiv?" im Jahr 1956. Roy Lichtenstein experimentierte mit Bildern von Comics und Cartoons. Andy Warhol, bevor er Künstler wurde, arbeitete als Illustrator, wie es scheint, in allen modischen Redaktionen in New York, hatte er die richtigen Verbindungen und gab grünes Licht für den Mix der Genres. John Cale von Warhols Sponsoring The Velvet Underground war mit der Modedesignerin Betsy Johnson verheiratet, die kürzlich im Alter von 72 Jahren die Bekleidungsproduktion wieder aufnahm. Zu dieser Zeit kreierte Betsy unter dem Label Youthquake lustige T-Shirts und arbeitete in einem der wichtigsten New Yorker Geschäfte der damaligen Zeit - Paraphernalia in der Madison Avenue, die mit Edie Sedgwick und Warhol zusammenarbeitete, die wiederum Papier für den Laden malten. Minikleider und Einkaufstaschen (Einwegkleidung kam damals in Mode).

In der Blütezeit der Pop-Art in den 60er Jahren bestand Bedarf an billigem und schnellem Design - die Geschäfte reagierten schnell auf die Wünsche der Menschen. Zum Beispiel hat der Biba-Laden in der Abingdon Road jede Woche seine Kollektionen aktualisiert - eine Technik, die den Massenmarkt nun erfolgreich betreibt. Twiggy schrieb: "Alles ging so schnell aus der Mode, wie es kam. Aber es war nur die Moderne, die anzog, alles verdrängte alles."

Pop Art zu ignorieren war unmöglich. Yves Saint Laurent erfand als Antwort Strickkleider mit Anwendungen in Form von Herzen, weiblichen Profilen sowie Lippen, die kürzlich Edie Slimane interpretierten. Nach der Saint-Laurent-Kollektion "Mondrian" im Jahr 1965 kreierte Stephen Willats ein ähnliches Kleid "Changing Sheets", jedoch nur aus modernem Vinyl. Pierre Cardin experimentierte mit Vinyl, und Roy Halston kreierte mit Warhols „Flowers“ von 1964 Kleider, die Miuccia Prada in der Frühjahr-Sommer-Kollektion 2013 zitierte.

In den 1980er Jahren wird der für seine Pop-Art-Graffiti bekannte Künstler Keith Haring den Pop Shop in New York eröffnen, in dem er T-Shirts mit seinen Arbeiten verkauft. Vivienne Westwood wird in den 80er Jahren auch mit Haring in der Witches-Kollektion zusammenarbeiten, wo der Brite die Arbeiten des Künstlers mit leuchtenden Farben reproduzieren wird. Heute werden Harings T-Shirt-Arbeiten von der Marke Uniqlo angewendet, die auch eine Zusammenarbeit mit dem New York Museum of Modern Art veröffentlicht hat. Pop Art beweist sich 1991 erneut: Der Italiener Gianni Versace wird ein eng anliegendes Kleid mit einem Aufdruck von Schablonensäure-Gesichtern Marilyn Monroe und James Dean kreieren, die Andy Warhol Tribut zollen. Eine Ergänzung zu den inkompatiblen Farben des Kleides wird ein Bustier im Showgirl-Stil sein, der mit Strasssteinen und Stoffapplikationen verziert ist. Die junge Naomi Campbell wird in diesem Kleid erscheinen, und Nicholas Coleridge, Präsident von Condé Nast, wird bemerken, dass der Versace-Kunde nicht mit "hoher Moral" belastet wird.

Wie man jetzt Dinge trägt, die von der Kunst inspiriert sind

Designer sind nicht die erste Jahreszeit, in der sie sich mit Kunst beschäftigen, dann Kleider bekleiden, Reproduktionen berühmter Künstler (Bosch und Gauguin werden hier oft zitiert) und dann mit zeitgenössischen Künstlern zusammengearbeitet. In dieser Saison wurde jedoch ein besonderes Augenmerk auf die Pop-Art gelegt, obwohl sie nicht auf Gauguin verzichtet hat (wir haben seine Reproduktionen in der Aquilano.Rimondi-Show und in der Couture-Kollektion Maison Martin Margiela gesehen). Mit den 60ern und der Pop Art ist moderne Mode verbunden und die Kommerzialisierung von Mode und Kunst. Die markanteste Manifestation der Pop-Art war die Prada-Sammlung - Miuccia Prada überarbeitete die Arbeit zeitgenössischer Künstler und Straßenkünstler: Pierre Morne, Jeanne Detallante, Stinkfish, Gabriel Spectra und andere. Außerdem sind mehrere Marken, die elegante Kupplungen herstellen, beliebt geworden: Sarah's Bag präsentiert Werke von Roy Lichtenstein, Yazbukey kreiert helle Kupplungen in Form einer Packung Zigaretten oder Zahnpasta, der britischen Lulu Guinness - in Form von Lippen. Jean-Charles de Castelbajac, Jeremy Scott und Ashish über Pop Art, der Hund aß: hier haben Sie und Coca-Cola einen Druck in Form von Prävention im Fernsehen.

Darüber hinaus zitiert Jeremy Scott in der Kollektion der nächsten Saison für Moschino, die Wickelkleider zeigt, die ersten Dinge, die 1956 für Werbung geschaffen wurden, nämlich Kleider und Röcke des Midi Martini Label, die vollständig mit den Markenlogos der ersten Rockfans geschmückt sind. rolle für kostenlose Festivalgetränke. Christopher Kane kreiert Röcke mit einem Druck in Form von replizierten Farben, die an die Arbeit der 60er Jahre erinnern. Raf Simons für Christian Dior verwendet die Technik der Pop Art - Logomania. Missoni ist von japanischen Comics inspiriert. Kenzo zitiert moderne Grafiken und Skizzieren mit Bleistiften. Prabal Gurung erschaffen Marilyn Monroe als Hommage. Preen wird auf die Kleiderabstraktion angewendet.

Mehrere Marken waren sofort vom abstrakten Expressionismus inspiriert, hauptsächlich von den Werken von Jackson Pollock und Mark Rothko. In der Chanel-Kollektion druckte Lagerfeld Kleidung in Form von hellen Farbspritzern und schmückte die Ausstellungsfläche mit 75 Kunstwerken mit Symbolen des Chanel-Hauses. Gemälde, Skulpturen und Installationen nach der Show wurden in das Grand Palais in Paris verlegt. Bevor sie Jil Sander verließ, hat Gilles Zander auch einige Bögen mit abstrakten Drucken in ihre neueste monochrome Frühlingsommer-Kollektion aufgenommen. Phoebe Failo hat die Kollektion Сéline veröffentlicht, die anscheinend von Fauvismus und einer großen Ausstellung begleitet wird. "Henri Matisse: The Cut-Outs, die bis September in die Tate Modern gehen - selbst Calvin Klein enthält einen Bogen mit abstrakten Drucken.

Wie der britische Designer Jonathan Anderson sagt, zeigt er gemeinnützige Kollektionen, an die Kritiker seit langem denken: "Mode war für mich nie eine Kunstform. Man kann Künstler und Designer nicht vergleichen. Mode und Kunst werden heute kommerzialisiert." Der Unterschied ist, dass Kunst nicht vom Verkauf abhängt, im Gegenteil, sie hat im Laufe der Jahre immer mehr Preis bekommen, aber ein seltenes Kleid kommt ins Modemuseum.

ACHTUNG!!

Kleine demokratische Marken verwenden Kunst seit langem gern für kommerzielle Zwecke, meistens jedoch auf Frontalität. Vorsicht vor dubiosen Sweatshirts oder Taschen mit Reproduktionen von Bosch, Van Gogh oder einer Dose Campbell-Suppe. Wenn Sie nicht bereit sind, für die Arbeit eines großen Künstlers an einem teuren Rock zu zahlen, ist es besser, Dinge mit abstrakten Drucken zu wählen - solche gibt es beispielsweise in der Zara-Kollektion. Ein guter Kauf wird eine Sache aus der Zusammenarbeit mit zeitgenössischen Künstlern. Und denken Sie an die Hauptsache - ungewöhnliche Dinge erfordern eine sorgfältige Operation: Kombinieren Sie sie mit etwas Minimalistischem und überlassen Sie die hypertrophierte Exzentrizität Joan Aguzarova und Andrei Bartenev.

Fotos: Tate Modern, Getty Images (4)