Wie legendäre Modehäuser des frühen 20. Jahrhunderts wiederbelebt werden

auf andere geschlossen Aus irgendeinem Grund haben legendäre Marken immer noch ein enormes Potenzial, durch das neue Investoren angezogen werden. So wurde kürzlich das Modehaus des legendären Paul Poiret, das 1930 geschlossen wurde, zum Verkauf angeboten. Bis zum 28. November können potenzielle Käufer ihr Gebot durch eine Online-Auktion abgeben, die vom derzeitigen Inhaber der Marke, dem französischen Unternehmer Arnaud de Lummen, organisiert wird. Dahinter steht die erfolgreiche Wiederbelebung des Vionnet-Hauses im Jahr 2006 und der Neustart des alten französischen Herstellers von Taschen und Koffern Moynat. Wir erzählen ausführlicher von ihm und von fünf weiteren Häusern, deren Wiederanlauf lange erwartet oder im Gegenteil unerwartet geworden ist.

Paul Poiret

Paul Poiret ist ein Anhänger und Schüler der Gründer von Couture, den beiden wichtigsten Modedesignern des 19. Jahrhunderts: Charles Frederick Worth und Jacques Doucet. Die erste versuchte, die Krinoline abzuschaffen, indem sie anbot, sie durch einen Rock mit einem Zug zu ersetzen, und Doucet zitierte die Kunst des Ostens und nähte sogenannte Hausteekleider. Poiret, der seine Karriere in seinem Atelier begann, entwickelte seine Ideen weiter und gründete 1903 sein Modehaus.

Poiret befreite Frauen aus dem Korsett und wurde zu einer wichtigen Figur für mehr befreite femmes libérées. Der Couturier veränderte nicht nur die damaligen Stile, sondern auch die Ansprüche weiblicher Schönheit. Mit dem Wunsch der Frau, in seinen Kleidern gut auszusehen, begann die Mode für eine dünne Sportfigur, die nicht an ein Korsett gebunden war. 1905 schlug er ein weibliches Kleid im Hemdschnitt vor und zog sich dann mit orientalischen Motiven an. Nach dem enormen Erfolg der russischen Balletttournee in Europa mit der Produktion von Dyagilev "Scheherazade", begann Poiret, ein großer Fan der Theaterkunst, orientalische Motive einzuführen.

Helle Farben, elegante Muster, mit Goldfäden bestickte Pluderhosen und Tuniken, mit Perlen verzierte Turbane und teure Federn wurden von europäischen Frauen begeistert begrüßt. Zu den Kunden des berühmten Meisters gehörte Isadora Duncan, die ihn als Genie bezeichnete. Eine weitere Erfindung von Poiret ist ein schmaler "lahmer Rock" (der sogenannte Humpelrock), der an den Schwanz einer Meerjungfrau erinnert, der nur kleine Schritte zuließ und bei den Kunden für Aufsehen sorgte. Sie trugen es mit einer breitkrempigen Mütze mit Federn. Paul Poiret ist auch der erste Modedesigner, der 1911 seine eigene Marke für Parfums auf den Markt brachte und sie nach seiner ältesten Tochter Rozin benannte. Darüber hinaus war Poiret ein Vermarkter: Er erfand das Design der Flasche, der Verpackung und der Werbung.

Nach dem Ersten Weltkrieg ließ das Interesse an den Werken von Poiret nach. Seine Modelle, die die ewige Feier symbolisierten, wurden für die Nachkriegszeit irrelevant, und die Marke Poiret konkurriert nicht mit den neuen Modehäusern, einschließlich Chanel. Poiret war fest entschlossen, keine einfachen Kleider herzustellen, und musste 1930 sein Haus schließen. Poiret verbrachte die letzten Tage in Armut und starb 1944. Das Interesse an den Werken von Poiret wurde in den 50er und 60er Jahren mit der Hinterlegung seiner Witwe und seiner Musen wiederbelebt. Denise Poiret - die Vintage-Artikel des Designers begannen zu steigen, Ausstellungen in seinem Werk versammelten Bewunderer und Sammler kauften alles, was mit seinem Namen zu tun hatte. Über die tatsächliche Wiederbelebung der Marke kann jedoch erst nach der Auktion Ende November 2014 gesprochen werden. Poiret ist nach Angaben des heutigen Inhabers Arnaud de Lummen, der die legendären geschlossenen Marken "schlafende Schönheiten" nennt, weltweit so berühmt, dass er auch aus Märkten, die uns noch nicht bekannt sind, Investoren anziehen kann.

Jean Patou

Die Geschichte des Modehauses Jean Patou ist voller Höhen und Tiefen. Das 1912 gegründete Modehaus musste 1914 aufgrund des Ausbruchs des Ersten Weltkrieges seine Arbeit unterbrechen. Am Vorabend der Feindseligkeiten gelang es Patou, die neueste Kollektion an fast alle amerikanischen Käufer zu verkaufen und an die Front zu gehen. Wieder wurde das Haus von Jean Patou 1919 eröffnet. Wie die Geschichte gezeigt hat, treten die wichtigsten Veränderungen in der Mode (wie auch in anderen Bereichen) genau nach Kriegen auf: Mit Jubel erfüllt, verlangen die Menschen nach großen Veränderungen. Und die Personifikation solcher Veränderungen war Jean Patou.

Dieses Ding Patu wurde die Basis der Garderobe von Mädchen Flapper der 20er Jahre und half, Androgyne Silhouetten aufzubauen. Er verkürzte seine gewohnten Röcke auf den Boden und war einer der ersten, der Frauenbeine zur Schau stellte und nicht nur schöne, sondern auch bequeme Kleidung, einschließlich Sportbekleidung, herstellte: Patou arbeitete zusammen mit Coco Chanel und Elsa Schiaparelli an der Schaffung von Frauensachen für das Tennisspielen. In seinem Faltenrock gewann 1920 die französische Athletin und Weltmeisterin Suzanne Lenglen in Antwerpen Gold. Patou, als einer der Pioniere der Sportbekleidung, hielt den innovativen Stil für eine athletische Silhouette.

Patous innovative Ideen waren unter liberalen Amerikanern sehr beliebt, was die Stabilität seines Geschäfts nach dem Zusammenbruch der Wall Street im Jahr 1929 untergrub. Seine andere innovative Idee half ihm, die wirtschaftliche Krise von Patou zu überstehen, der Parfümerie, die viele Jahrzehnte später noch flott ist: Sein berühmtester Duft Joy wird immer noch produziert. Mark Boan, Karl Lagerfeld und Jean-Paul Gautier versuchten unter der Marke Jean Patou in verschiedenen Jahren die einstige Größe der Kleidung wieder herzustellen.

Christian Lacroix, der 1981 das Haus von Jean Patou leitete, kehrte zum Ruhm und hohen Einkommen der Firma zurück. Diesem Start folgte jedoch ein rapider Sturz, und 1987, nach dem Ausscheiden von Christian Lacroix, der beschloss, seine eigene Marke zu gründen, wurde das Haus von Jean Patou geschlossen. 25 Jahre nach der Schließung sollte die Marke wiedergeboren werden - der derzeitige Vizepräsident des Hauses, Bruno Georges Kottar, setzte seine Wiederbelebung fort. Es ist jedoch immer noch schwer vorhersagbar, wie erfolgreich die Markenaktivitäten sein werden, denn das historische Erbe ist, wie Sie wissen, kein Garant für den Erfolg.

Vionnet

Die Geschichte des Hauses Vionnet beginnt im Jahr 1912. Die Gründerin der Marke, die Französin Madeleine Vionne, revolutionierte die Mode mit ihrem einzigartigen, schräg geschnittenen Kleidungsstück, dank dessen der Stoff in gewellten Falten lag und die Rundungen des weiblichen Körpers perfekt wiedergegeben wurden. Vor der Eröffnung des Ateliers sammelte sie wie Poiret Erfahrungen im Atelier von Jacques Doucet. Unfähig zu zeichnen, kreierte Vionne Kleider, die sie mit der Präzision einer Architekturzeichnung baute und jedes Mal einen neuen Stoff direkt auf die Schaufensterpuppe drapierte: Das oberste Prinzip des Couturiers bestand darin, Kleidung an der Figur zu schaffen.

Sie war inspiriert von den Kostümen der Antike und des Balletts von Isadora Duncan, sie wollte die Korsetts abschaffen und argumentierte, dass das Konzept der Befreiung des weiblichen Körpers ihr und nicht Paul Poiret gehörte. Am wahrscheinlichsten war die Idee jedoch in der Luft: Viele Designer schrieben sich das selbst zu. In den 1920er Jahren finden sich in ihren Werken Bezüge zu Ost und Kubismus, sie zitiert Kimono und kreiert geometrische Kleider aus drei Hauptformen: einem Rechteck, einem Quadrat und einem Kreis. Hauptsächlich aufgrund der Tatsache, dass Vionne einer der ersten war, der sich mit der Einstellung von Modemodellen beschäftigte, wurde der Beruf der Models zu einem angesehenen Unternehmen. Beschmutzte Modelle ohne Korsetts, Barfuß oder in Sandalen. Zur Zeit des Ersten Weltkrieges wurde das Geschäft 1922 eingeschränkt und in neuem Maßstab wiederaufgenommen. Im Anschluss an das Pariser Atelier an der Avenue Montaigne Vionne eröffnete sie in New York an der Fifth Avenue ein eigenes Geschäft, in dem die fertigen Kleider für die Kunden maßgeschneidert wurden. Im Jahr 1929 erreichte die Zahl der Mitarbeiter zu Hause 1.200 Personen.

Seit dem Beginn des Zweiten Weltkriegs im Jahr 1939 wurde das Modehaus Vionnet geschlossen. Nach 49 Jahren wurde das Unternehmen vom Geschäftsmann Guy de Lummen gekauft, und 2006 versuchte sein Sohn Arnaud de Lummen, die einstige Größe der Marke wiederzubeleben. Die Arbeit an der Marke zog die griechische Designerin Sophia Kokosalaki an, das ist bekannt für seine drapierung. Dann nahm Marc Odibe ihren Platz mit Erfahrung in Prada und Hermès ein. Der für diesen Zweck eingestellte Art Director Marc Odibe konnte diese Aufgabe jedoch nicht erfüllen. Der nächste Designer der Marke, Rodolfo Palliunga, der jetzt das Haus von Jil Sander leitet, kam damit nicht zurecht.

Im Jahr 2009 wurde das Modehaus der Familie de Lummen von dem Erben der italienischen Dynastie Matteo Marzotto erworben, der Valentino bereits Anfang der 2000er Jahre wiedereröffnet hatte. Im Jahr 2012 kaufte die Marke Goga Ashkenazi aus, besetzte persönlich den Designersessel und lud Hussein Chalayan in die Couture-Linie ein, der gleichzeitig an seiner eigenen Marke arbeitet. Chalayans Vision ist dem Stil von Madeleine Vyonne sehr ähnlich. "Es gibt Dinge, die Sie zuerst erstellen und dann skizzieren müssen", sagt Chalayan, der in seinen Modellen komplexe Schichtschnitte und zahlreiche Vorhänge verwendet.

Schiaparelli

Die Werke des Gründers von Schiaparelli und des Schöpfers des Konzepts kommerzieller Konfektionskleidung, der Italienerin Elsa Schiaparelli, können als reformativ bezeichnet werden. Rivale Coco Chanel änderte ihre Einstellung zu Strickwaren - ihr schwarzer Strickpullover mit geometrischen Mustern (von Bogen zu Schädel) revolutionierte die Mode 1927 und wurde zu einem Bestseller in Amerika, wo Elsa viele Boutiquen eröffnete. Zusammen mit Jean Patou und Coco Chanel entwickelte sie die Idee von Sportbekleidung und Konfektionsmode, indem sie Ende der 20er Jahre Tennisbekleidung, Röcke, Badebekleidung und Skianzüge in ihrer Boutique Pour le Sport zeigte. Außerdem war sie eine der ersten, die einen Reißverschluss für ihre Kleider verwendete. In den 1930er Jahren arbeiteten mehr als 2000 Mitarbeiter daran.

Elsa ist vor allem als surrealistischer Designer bekannt, dessen extravagante Ideen noch heute verwendet werden. Ihre Leidenschaft für Surrealismus und Dadaismus in den 30er Jahren spiegelte sich in ihren Knöpfen in Form von Süßigkeiten und Erdnüssen, in ihren Taschen in Form von Spieldosen oder in einem Seidenkleid mit Hummer wider, die von Salvador Dali gemalt wurden. Die Zusammenarbeit mit Dali beschränkte sich nicht darauf: Er malte Anzeigen für Lippenstifte und Parfums für sie, und Elsa gestaltete Dinge nach seinen Skizzen - zum Beispiel einen Stiefelhut. Für die Nachkriegsanforderungen war es, wie viele Designer der damaligen Zeit, nicht leicht anpassbar. Und obwohl die 1928 von ihr gegründete Parfumlinie ein Erfolg war und das Haus eine Zeitlang mitentwickelte, wurde 1954 das Modehaus Schiaparelli geschlossen.

Im Jahr 2007 wurde die Marke von Tods Besitzer Diego Della Valle gekauft. Das Comeback von Schiaparelli wurde jedoch bis 2014 verschoben, obwohl einer der Versuche, Schiaparelli wiederzubeleben, auf Christian Lacroix zurückzuführen ist. Erst im vergangenen Januar auf der High Fashion Week in Paris präsentierte der neue Kreativdirektor des Hauses Marco Zanini im Frühjahr / Sommer 2014 die erste Couture-Kollektion des wiederbelebten Hauses. Marco Zanini arbeitet geschickt mit den Archiven des Hauses (Affenpelz kam dank Schiaparelli und mit ihm in Mode.) Zanini arbeitet) und er hat bereits in zwei Kollektionen bewiesen, dass Surrealismus und Theatralität genau das sind, was der modernen Mode fehlt. Zumindest die Sympathie von Tilda Swinton hat bereits ein aktualisiertes Modehaus verdient.

 

Charles James

Trotz seiner britischen Herkunft gilt Charles James als erster amerikanischer Couturier. Charles James, der 1926 seine Karriere bei einem kleinen Hutladen begann, erhielt den Titel eines der größten Designer aller Zeiten. Die Weltwirtschaftskrise spielte dabei eine bedeutende Rolle. Nach der Krise, der Wall Street, haben viele Pariser Couturiers in Amerika 90 Prozent Zoll auferlegt, und sie mussten ihr Geschäft aufgeben, und ihr Platz wurde von lokalen Designern besetzt. Unter ihnen befanden sich Charles James und eine Reihe ikonischer Couturiers dieser Zeit: Main Boher, Elizabeth Hawse und Muriel King.

Charles war nicht nur Modedesigner oder Bildhauer, sondern Architekt. Zum Beispiel wurde eine Steppjacke, die Mitte der 30er Jahre von einem Designer entworfen wurde, zusätzlich zu einem Abendanzug und von Salvador Dali als „weiche Skulptur“ bezeichnet, der Vorfahre moderner Steppjacken, die selbst in der Garderobe von modebewussten Menschen präsent waren. Neben den gesteppten Jacken-Visitenkarten wurde James zu einem Ballkleid "Four Leaf Clover", das fast eine technische Struktur war. Das Kleid bestand aus vier Schichten: einem Petticoat aus Taft, einem engen Petticoat, einem Petticoat und einem Spitzenkleid. Es war schwierig sich darin zu bewegen, aber es sah atemberaubend aus.

Das Unbehagen der Frauen hinderte den Designer nicht, der akribisch Stoffstücke aus Kunstgegenständen herstellte: Seine Ballkleider wogen bis zu 8 kg. Charles James war bis zu einem gewissen Grad ein Fanatiker und ein Perfektionist: Er konnte dasselbe Modell mehrmals nachbearbeiten, jedes Detail mit mathematischer Präzision anpassen, lange Zeit am perfekten Schnitt der Ärmel arbeiten und viel Geld dafür ausgeben. In den fünfziger Jahren ging die Karriere von Charles James zurück, und seine Abneigung gegen modische Veränderungen war der Grund. James konnte sich mit dem Aufkommen der Massenproduktion nicht abfinden und den komplexen Schnitt für billigere Modelle aufgeben. Schulden und unbezahlte Steuern zwangen ihn jedoch 1958, die Modewelt vollständig zu verlassen.

Im Jahr 2014 sprach die Welt erneut von der Marke Charles James. Nach dem Ball, der vom Met Gala Costume Institute zu Ehren des legendären Modedesigners veranstaltet wurde, wurde bekannt gegeben, dass der amerikanische Filmproduzent und Mitbegründer von Miramax Films Harvey Weinstein die Wiederbelebung der Marke übernehmen würde - er unterzeichnete eine Vereinbarung mit den Kindern von Charles James, eine Lizenz zu erwerben, mit der Möglichkeit einer späteren Übernahme der Marke. Die Rückkehr der Marke ist unter der Leitung kreativer Berater geplant: Marchesa-Mitgründerin und Designerin Georgina Chapman und ihr Bruder, Präsident Marchesa, Edward Chapman.

IRFE

Die Marke IRFE wurde 1924 in Paris von russischen Emigranten gegründet: der Nichte von Nikolaus II. Irina und ihrem Ehemann Felix Yusupov. Die gefalteten Anfangsbuchstaben ihrer Namen gaben einem aristokratischen Haus im wahrsten Sinne des Wortes den Namen. Früher waren die Kunden der Pariser Modehäuser das Ehepaar Yusupov, das die Geheimnisse der Haute Couture kannte, und ihre Freunde und Verwandten nahmen an der Kollektion teil. Trotz des klassischen Designs wurden ihre Outfits in Paris von androgynen Modellen à la Garçon gezeigt, und der Couturier hatte die Entwicklung von Sportbekleidung im Blick. Im Jahr 1926 führte IRFE eine eigene Parfumlinie mit vier Düften ein: Blondine für Blondinen, Brünette für Brünette, Titiane für braunhaarige Frauen und Grausilber für Frauen im "eleganten Alter". Im Gegensatz zu anderen Häusern benannte IRFE die Haarfarbe und kümmerte sich um Frauen mittleren Alters, die einen der Düfte der Kaiserin Maria Feodorovna widmeten.

Die Wirtschaftskrise der späten zwanziger Jahre betraf viele Bereiche der Weltwirtschaft, und 1931 musste die IRFE nach vielen anderen Unternehmen Insolvenz anmelden und alle ihre Filialen schließen. Die Parfümlinie der Marke hielt jedoch bis in die frühen 60er Jahre an und eines der Kleider zu Hause fiel in das Institute of Costume des Metropolitan Museum of Art in New York.

Die Rückkehr der Marke nach einer 90-jährigen Pause war zum Teil auf den Modehistoriker Alexander Vasilyev zurückzuführen. Olga Sorokina lernte das Haus aus seinem Buch „Beauty in Exile“ kennen, und nachdem sie ihre Enkelin Yusupov, Xenia Sheremeteva-Sfiri, getroffen hatte, machte sie sich daran, das legendäre Modehaus wiederzubeleben. Im vergangenen Jahr, zum 400-jährigen Jubiläum des Hauses der Romanows, machte das renovierte Haus IRFE seinen ersten Schritt - seine neue Kollektion wurde auf der Pariser Modewoche gezeigt. Heute versucht das Kreativteam zu Hause, die IRFE-Kollektionen nicht nur zu erhalten, sondern auch zu modernisieren.

Fotos:Das Metropolitan Museum of Art, IRFE, Schiaparelli, Wikimedia Commons, Vionnet